Ein Dialog der orangefarbenen Freude
Wie kann ein Prosatext ein Kunstwerk beeinflussen? Wie kann ein Bild einen Satz inspirieren? Wie können beide sich langsam in Essen verwandeln?
Meine jüngste Mail-Club-Ausgabe hat sich für mich anders angefühlt. Es ist das erste Mal, dass ich mit einem anderen Künstler zusammengearbeitet habe — Wolfram Keller ist ein Poet und Akademiker aus Berlin, jemand mit dem ich bereits zuvor zusammengearbeitet hatte und dessen Art, die Welt zu sehen, ich tief bewundere. Nicht nur die Arbeit von jemandem zu zeigen, sondern wirklich einen kreativen Dialog einzugehen und zu sehen, wohin er führt. Ich hatte keine Ahnung, wie weit er uns tragen würde.
Es begann in einem Café. Ich schlug Wolfram die Idee vor, seine Eindrücke von einem Berliner Markttag mit mir zu teilen. Kurz darauf landeten vier wunderschöne und bewegende Gedichte in meinem Posteingang. Anticipation erinnerte mich sofort an eigene Erinnerungen — ich hatte eine unmittelbare visuelle Reaktion rund um Farben, Essen und Gefühl — und ich wusste es einfach.
Wolfram stellte mir einige Fragen dazu, wie ich diesen Prozess erlebt habe, und teilte auch seine eigene Seite der Geschichte. Also erzählen wir sie gemeinsam.
Wolfram:
Alex' Vorschlag zur Zusammenarbeit und die daraus entstandene Idee, mit ihren Notizen von Marktspaziergängen zu arbeiten, um Gedichte zu entwickeln, die wiederum ein Gemälde inspirieren könnten — und dann ein Gericht, das durch die Kombination der drei entstand — brachten mich am Tag nach dem Erhalt von Alex' Notizen auf den Donnerstagmarkt am Kollwitzplatz, auf der Suche nach Inspiration: eine besorgniserregende Suche angesichts der bedrohlich leeren Seite, der man immer gegenübersteht, wenn man eine Deadline hat.
Aber schnell begannen sich Szenen zu materialisieren, die mit Alex' Notizen resonieren: ihre faszinierende Prägung von "orangefarbener Freude" für die jugendliche, scheinbar sorglose Menge an einem Ende des Marktes, Mütter, die (streitenden, liebevollen) Paare und Familien inmitten der farbenfrohen Düfte verschiedener Früchte, Gemüse und Blumen am anderen Ende, dazu Väter mit ihren (aufgeregten, müden, schlafenden) Kindern zwischen den Marktständen, dem Spielplatz, den Bänken. Drei Szenen, angeregt durch Alex' Spaziergang-Fokus und meinen eigenen Markttag, blieben bei mir: Überreste der vorherigen Nacht überall sichtbar, aber fokussiert auf leere Gläser, die später von derselben oder einer anderen Menge mit sehr unterschiedlichen Arten von "Anticipation" wieder gefüllt werden würden; das spielerische Gezänk von Menschen mittleren Alters und ihre Perspektive auf jugendliche Unentschlossenheit angesichts ihrer eigenen; ein Kind, das auf dem Schoß seines Vaters schläft, friedlich und unwissend über die Hindernisse und Konflikte, die noch kommen werden, und doch eine Friedlichkeit so tiefgründig, dass sie auf ihre eigene seltsame Weise ein Leben lang anhält. Die drei Szenen vereinten sich in einem (eher traditionellen) Sonett, "At the market", mit einem variierenden Reimschema, das sich zu einem — buchstäblich umarmenden — Reim in der letzten Strophe vor dem abschließenden Couplet bewegt, aufgreifend die abschließende, meditativ-beruhigende Natur der Markterkundungen, die ich in Alex' Notizen gespürt hatte.
Und "At the market" entfachte dann schnell drei weitere Sonette, jedes eines, das detaillierter auf die drei Szenen eingeht. Das, das Alex für die Juni-Ausgabe ausgewählt hat, ist das erste davon: Anticipation. Die "orangefarbene Freude" war hier der Mittelpunkt, aber auf eine etwas andere Weise als in Alex' Notizen: Das Gedicht versucht (unweigerlich aus der Perspektive von jemandem, der viel älter ist) die Art und Weise einzufangen, wie junge Menschen — ich denke dabei an meine Studenten, meine Tochter, Alex' Generation von Menschen in ihren Zwanzigern — ihre Zukunft antizipieren, die Momente der Befreiung und Erleichterung, die Momente des Zweifels, des Zögerns, des Gruppendrucks, die Wechselfälle der Entscheidungsfindung angesichts einer ungewissen Zukunft innerhalb einer scheinbar sehr komprimierten Zeitlichkeit. Der Soundtrack beim Schreiben des Gedichts war frühe deutsche elektronische Musik — eine weitere Brücke vielleicht zu den Lebenswelten junger Berliner — widergespiegelt im fehlenden Reimschema, abgesehen vom abschließenden Couplet, aber konterkariert durch die gelegentlichen rhythmischen Holperer.
Poesie — und das relativ kurze 14-zeilige Sonett — ist mein bevorzugter Ort, um über die kleinen alltäglichen Kleinigkeiten nachzudenken, die oft — und schnell — zu den tiefgreifenderen Lebensfragen führen, eine Reflexionsbewegung, die mich auch sofort zu Alex' Kunst hingezogen hat. Mein Hauptinteresse beim Schreiben liegt, glaube ich, darin, die emotionalen Welten anderer zu verstehen — und dadurch meine eigenen Denk-, Annahme- und Urteilsweisen zu reflektieren. Und Alex' Einladung, im vergangenen Herbst einen Text zu ihrer Inner Court-Serie beizutragen, förderte das zunehmende Bewusstsein dafür, wie abstrakte Kunst — wie Alex' Kunst — ähnliche Prozesse ermöglicht, wie Leinwände zu Spiegeln werden, die uns in (emotionale) Reflexion über uns selbst, über andere, über das Anderssein einbeziehen. Und angesichts der Tatsache, wie Alex' Kunst solche Gespräche und Reflexionen inspiriert, die so leicht und schnell von Fragen der Form, Farbe und Textur zu Emotion und Leben kreisen, war ich sehr gespannt darauf zu erkunden, wie dieser Dialog die Grenzen visueller und verbaler Kunstformen kreuzen würde und wie die Welt des — buchstäblich: Geschmacks — zusätzliche Schichten hinzufügen würde. Ich habe das Gemälde noch nicht gesehen, aber ein inspirierender Teaser, den wir mit Alex' entsprechendem Gericht erleben durften, das in seiner scheinbaren Einfachheit das Gefühl des Gedichts und das, was Alex uns über ihre Lesart davon mitgeteilt hat, perfekt einfängt. Ich kann es kaum erwarten, dass ihr Publikum dies selbst erlebt — und bin außerordentlich dankbar für die Möglichkeit, Teil so vieler vielschichtiger Gespräche über die Künste im — und des — Lebens zu sein, inspiriert durch diese Zusammenarbeit.
WK: Warum „Anticipation"? Was hat resoniert?
A: Ich habe Anticipation gewählt, weil es in mir sofort visuelle Reaktionen ausgelöst hat — rund um Essen, Farbe und Gefühl. Aber auch, weil es so tief mit einer Zeit in meinem Leben vor etwa zehn Jahren resoniert hat, als ich Berlins Untergrundmusikszene entdeckte. Ich war damals sehr jung, und obwohl ich jetzt wahrscheinlich in einem Alter (26) bin, in dem ich „eigentlich" mehr ausgehen sollte, habe ich das Gefühl, dieses Kapitel so intensiv und mit so viel Freude gelebt zu haben, dass es nie wirklich gegangen ist. Heutzutage feiere ich zu Hause und schätze meinen Schlaf — aber diese Liebe zur Musik sitzt tief in mir, und Anticipation hat das alles zurückgebracht.
WK: Verbindet sich der Prozess — als Dialog — mit dem, womit sich deine aktuelle Arbeit beschäftigt?
A: Je mehr ich darüber nachdenke, desto mehr tut er das. Die Serie, an der ich gerade arbeite, lehnt sich viel stärker in die Gegenwart — in das Bewusstsein meiner Umgebung, anstatt rein aus meiner inneren Welt zu malen. Normalerweise drehen sich meine Leinwände sehr um das, was in mir vorgeht, aber diese neue Serie handelt davon, was ich außen wahrnehme: Temperatur, Menschen, kleine Details, Interaktionen, Gesprächsfetzen, an denen ich zufällig vorbeigehe. Ich habe gemerkt, dass diese Kollaboration so perfekt darin passt — es geht darum, diesen nach außen gerichteten Blick mit jemand anderem zu teilen.
WK: Was kommt beim Transfer von Wort zu Bild zuerst: Farbe, Form, Bewegung?
A: Ehrlich gesagt bin ich mir nicht ganz sicher — und ich merke, dass es schwer in Worte zu fassen ist, selbst während ich es versuche. Ich glaube, es ist eine Mischung aus allem. Manchmal reagiere ich sofort mit einem Bild; manchmal fängt meine Hand einfach an, sich zu bewegen, bevor mein Kopf nachzieht. Vieles hängt auch davon ab, in welchem Zustand ich bin, wenn ich mich ans Malen setze. Angenommen, ich plane, an einem Dienstag etwas zu malen, das ich eine Woche zuvor wahrgenommen habe — ich habe Notizen, einige wörtliche Eindrücke — aber wenn ich an diesem Dienstag in einer ruhigen, nachdenklichen Stimmung bin, obwohl die Notizen eher in eine fröhlichere Richtung gehen, findet beides irgendwie seinen Weg in die Arbeit. Dieser Transformationsprozess von Wort zu Bild ist schwer zu definieren.
WK: Wie kommt Essen ins Spiel?
A: Essen ist ein so großer Teil meines Lebens — manchmal mehr, als mir lieb ist, haha. Diese Idee, dass Essen etwas ist, das wir mit anderen teilen können... Ich zeige meine Liebe zu anderen durch Essen — der Prozess, (hoffentlich) einen Moment der Freude für andere zu schaffen, bringt mir selbst eine gewisse Freude. Aber ich finde es faszinierend zu bemerken, wie ich mich immer mehr zu dem Prozess hingezogen fühle, ein Kunstwerk auf einen Teller zu übertragen. Was ich gemerkt habe: Ich versuche nicht, ein Kunstwerk buchstäblich durch Essen darzustellen — und vielleicht kommt da mein abstraktes Malergen durch. Meine Familie sagt, ich hätte einen Perfektionismus in mir (ich frage mich, woher das wohl kommt — Hinweis Hinweis auf meine Eltern...), hohe Ansprüche usw. — und ich sehe das nicht immer in mir selbst, weil ich denke, dass es sich in dem zeigt, was ich erschaffe, und darin, warum ich so sehr zur abstrakten Kunst neige. Denn abstrakte Kunst ist gewissermaßen eine Flucht aus dem perfektionistischen Denken. Es gibt so viel Raum für Interpretation. Es muss nicht für alle Sinn ergeben. Nur für mich.
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